Rebeca. (Rebecca). Alfred Hitchcock (1940)

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Tras una exitosa carrera en el cine británico, Hitchcock desembarcó en Estados Unidos a finales de los años treinta para realizar Rebeca, adaptación de la novela homónima de Daphne du Maurier. Durante largos años, esta obra ha permanecido a la sombra de otros filmes de su director, como Psicosis (1960) o Vértigo (1958), quizá por tratarse, aparentemente, de una película más convencional. Sin embargo, un análisis atento de sus formas y su estructura permiten ver que bajo la apariencia de clasicismo Rebeca articula unos planteamientos formales y narrativos de una complejidad notable.Este libro analiza la manera en la que Hitchcock construye su filme, reivindicando la modernidad de esta película tradicionalmente menospreciada por la crítica y ejemplo paradigmático del modelo clásico hollywoodiense.

Carmen Arocena Badillos (Bilbao, 1964) es profesora titular en la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación de la Universidad del País Vasco/ Euskal Herriko Unibertsitatea. Su actividad investigadora se centra en el análisis fílmico, análisis semiótico e historia del cine español. En la actualidad, su línea investigadora se ha ampliado hacia la utilización del filme como material didáctico. Es miembro del grupo de investigación del Gobierno Vasco MAC (Mutaciones del Audiovisual Contemporáneo) así como de diferentes asociaciones académicas.

Iñigo Larrauri (Bilbao, 1981). Licenciado en Historia del Arte y doctor en Teoría, análisis y documentación cinematográfica. Actualmente es profesor del Departamento de Historia del Arte de la UPV/EHU y forma parte del grupo de investigación Mutaciones del Audiovisual Contemporáneo (MAC). Ha colaborado en libros colectivos como Películas para la educación y ha publicado asimismo artículos sobre cine y otras artes en distintas revistas especializadas como L’Atalante, Eu-topías o Signa. La colección de textos Guías para ver y analizar cine ofrece estudios monográficos, rigurosos y exhaustivos de películas fundamentales de la historia del cine.

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Carmen Arocena Badillos (Bilbao, 1964) es profesora titular en la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación de la Universidad del País Vasco/ Euskal Herriko Unibertsitatea. Su actividad investigadora se centra en el análisis fílmico, análisis semiótico e historia del cine español. En la actualidad, su línea investigadora se ha ampliado hacia la utilización del filme como material didáctico. Es miembro del grupo de investigación del Gobierno Vasco MAC (Mutaciones del Audiovisual Contemporáneo) así como de diferentes asociaciones académicas.

Iñigo Larrauri (Bilbao, 1981). Licenciado en Historia del Arte y doctor en Teoría, análisis y documentación cinematográfica. Actualmente es profesor del Departamento de Historia del Arte de la UPV/EHU y forma parte del grupo de investigación Mutaciones del Audiovisual Contemporáneo (MAC). Ha colaborado en libros colectivos como Películas para la educación y ha publicado asimismo artículos sobre cine y otras artes en distintas revistas especializadas como L’Atalante, Eu-topías o Signa. La colección de textos Guías para ver y analizar cine ofrece estudios monográficos, rigurosos y exhaustivos de películas fundamentales de la historia del cine.

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Additional Information

Publisher
Nau Llibres
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Published on
Jul 4, 2019
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Pages
160
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ISBN
9788416926763
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Language
Spanish
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Genres
Performing Arts / Film / Guides & Reviews
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In the Mood for Love es, sin lugar a dudas, el film más representativo de Wong Kar-wai, el que le ha dado fama y reconocimiento mundial, y el que supone un punto de inflexión en su quehacer, ya que es resumen y paradigma del conjunto de sus films anteriores y, nos atreveríamos a decir, posteriores.
Esta película es un claro ejemplo de la forma de trabajar de Wong Kar-wai:
Ausencia de guión. Las tramas se construyen a medida que el rodaje avanza, mediante la implicación de sus actores fetiche, Tony Leung y Maggie Cheung, quienes, interiorizada la esencia de sus personajes, condicionan el avance de la historia (rodada con radicalidad cronológica) y sus propias características personales.
Eliminación, en la fase de montaje, de los aspectos más obvios de la trama. Mediante este mecanismo, los espacios fuera de campo, las ausencias, los elementos sugerentes y la quiebra de las relaciones causa-consecuencia se constituyen en elementos determinantes. Esto, que resulta poco comprensible desde el punto de vista de los costes de producción (¿por qué rodar escenas que serán suprimidas al montar?), permite comprender que el rodaje de In the Mood for Love se prolongara durante quince meses.
Un grupo de colaboradores fijo en todos sus films, consiguiendo, así, una unidad estilística y de criterios poco habitual en el cine contemporáneo. Hay que hacer mención muy especial del director artístico y responsable del montaje, William Chang; del director de fotografía, Christopher Doyle, y de la entidad productora Jet Tone, omnipresente en la filmografía de este autor. Ni que decir tiene que muchos de estos nombres, hoy plenamente reconocidos a nivel internacional, aparecieron vinculados a la obra de Wong Kar-wai cuando apenas eran una promesa.
Valgan, pues, estas pinceladas para poder asumir algunos puntos de partida que arrojan luz sobre una obra singular, cuya ubicación en el contexto socio-político-económico trazaremos sucintamente en esta guía.

El lenguaje claro y didáctico utilizado en el análisis de los textos fílmicos permite una fácil comprensión de todos los aspectos de la película: desde los datos contextuales, técnicos e históricos de la película, pasando por el análisis textual pormenorizado de la misma atendiendo especialmente a los diferentes recursos expresivos que la constituyen (espacio, tiempo, planificación, movimientos de cámara, música, diálogos, etc.), y, finalmente, las aproximaciones interpretativas globales –aunque siempre apoyadas en el análisis textual previo- que el propio autor de la Guía propone.
 Con
el inicio del nuevo milenio la Literatura, el Cómic, el Cine y la
Televisión parecen haber redescubierto la Antigüedad Clásica y,
más específicamente, el Imperio Romano y los Juegos de Gladiadores.
Series de televisión, películas, novelas y cómics se ambientan en
la Roma imperial o tienen a gladiadores como protagonistas. Es el
efecto Gladiator.

Solo
por ello esta película ya supone un hito en la
historia reciente del cine, pero aún acumula más méritos, y entre
ellos no es el menor haber conseguido que Ridley Scott, antaño
director de culto y en aquel momento en horas bajas tras películas
como La teniente O'Neill o Tormenta blanca, enderezara
su carrera cinematográfica.


Scott,
apoyado por los avances tecnológicos y en sus conocimientos de
Historia del Arte, y ayudado por su núcleo duro de colaboradores (el
editor Pietro Scalia, el director de arte Arthur Max) y por un elenco
de actores que aúnan experiencia (Derek Jacobi, Richard Harris,
Oliver Reed) y pujanza (Joaquin Phoenix, Russell Crowe en su primera
colaboración con este director), no se limita a retomar la tradición
del epic, sino que la renueva profundamente con sus
aportaciones estéticas y visuales, y con un sabio aprovechamiento de
los nuevos colaboradores, en especial John Mathieson (director de
fotografía) y Lisa Gerrard (coautora de la música juntamente con
Hans Zimmer). Su Roma entronca así tanto con el imaginario
tradicional, producto de siglos de recreación pictórica y fílmica,
como con sus recreaciones futuristas de Blade Runner.


Una
película, además, que ha generado muchísima bibliografía no solo
en el ámbito cinematográfico, pues, a la manera de clásicos como
Espartaco (S. Kubrick), rápidamente fue leída como una
alegoría de los Estados Unidos (y de su imperio) a fines del siglo
XX, como sucintamente tratamos en nuestra propuesta de análisis de
esta película.





El lenguaje claro y
didáctico utilizado en el análisis de los textos fílmicos permite
una fácil comprensión de todos los aspectos de la película: desde
los datos contextuales, técnicos e históricos de la película,
pasando por el análisis textual pormenorizado de la misma atendiendo
especialmente a los diferentes recursos expresivos que la constituyen
(espacio, tiempo, planificación, movimientos de cámara, música,
diálogos, etc.), y, finalmente, las aproximaciones interpretativas
globales –aunque siempre apoyadas en el análisis textual previo– que el propio autor de la Guía propone.  

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